No.46 ひょっとこの面
コンサート・ひょっとこ踊りとクラシックコンサートに寄せて
芥川龍之介の「ひょっとこ」という大正三年に書かれた初期の作品がある。この作品について簡単に説明すると、花見船でよっぱらい、調子にのってひょっとこ踊りを踊った男が、足を取られて転げ落ち、頭を打って死んでしまうという、少し悲しいお話である。男の名前は平吉。平吉は酒好きな男で、飲むと必ず馬鹿踊りをする癖がある。酒好きというよりは精神の安定を求めて飲まずにはいられないところがある。
平吉は酔っ払うと自分が別人になることを自分自身でも知っている。「何故かと云うと、酒さえのめば気が大きくなって、何となく誰の前でも遠慮が入らないような心持ちになる。踊りたければ踊る。眠たければ眠る。誰もそれを咎める者はない」からである。
そんな平吉は普段はよく嘘をつく。自分でも、何故そう嘘が口から出るのかわからない。人と話していると自然に云おうとも思わない嘘が出てしまうという。格別それが苦くになるわけでもない。悪い事をしたと云う気がする訳でもない。そこで平吉は、毎日平気で嘘をつく。彼の話から嘘を除いてしまうとなんにもなくなってしまうとそこには書かれる。
そして芥川は小説の最後で、多少悪趣味なほどに人間の本質を問題定義する。
（転げ落ちた平吉の動く気配がない）
すると頭（かしら）の隣にいた髪結床（かみゆいどこ）の親方が、さすがにおかしいと思ったか、平吉の肩へ手をかけて、「旦那、旦那…もし…旦那…旦那」と呼んで見たが、やはり何とも返事がない。手のさきを握っていると冷くなっている。親方は頭（かしら）と二人で平吉を抱き起した。一同の顔は不安らしく、平吉の上にさしのべられた。「旦那……旦那……もし……旦那……旦那……」髪結床の親方の声が上ずって来た。
するとその時、呼吸とも声ともわからないほど、かすかな声が、面（めん）の下から親方の耳へ伝って来た。「面（めん）を……面をとってくれ……面を。」頭と親方とはふるえる手で、手拭と面を外した。
しかし面の下にあった平吉の顔はもう、ふだんの平吉の顔ではなくなっていた。小鼻が落ちて、唇の色が変って、白くなった額には、油汗が流れている。一眼見たのでは、誰でもこれが、あの愛嬌のある、ひょうきんな、話のうまい、平吉だと思うものはない。ただ変らないのは、つんと口をとがらしながら、とぼけた顔を胴の間の赤毛布（あかゲット）の上に仰向けて、静に平吉の顔を見上げている、さっきのひょっとこの面ばかりである（芥川龍之介「ひょっとこ」より）。
ふだん人は本来の自分とは違う面をかぶって生きているからこそ、時には違う面をかぶって踊り、普段とは違う自分を演じたくなるのだろうか。それとも面をかぶって踊っている平吉こそ、実は本来の平吉なのだろうか。とにかく私にとってこの芥川龍之介の「ひょっとこ」という作品が、強く自己意識を揺さぶられたのは確かなことだった。
さて、ひょっとこ面をかぶって踊る、このひょっとこ踊りは、この作品に出てくる平吉ほどではないにしろ、踊るものにとって普段の自分とは違う自分がそこに表現されているのかもしれない。
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No.45 オペラ的なもの �� (イントロダクション)
キーワード：タルコフスキー 世界感覚 大江健三郎
武満徹はこの本のまえがきにおいて、まず、「オペラをつくる」（岩波新書、武満徹、大江健三郎著）というこの本の題名にもかかわらず、‘オペラ‘と‘オペラ的なるもの‘として、伝統的なヨーロッパのオペラと、自分がつくる作品を区分した。その意図は、その本にも書かれているように、オペラを書きたくなったのもいわゆるイタリアの作曲家のプッチーニやベルディーのオペラからではなく、文学や映画、演劇等の影響によるものだという。よく知られていることだが、武満徹は若いころよりたくさんの映画音楽の制作にかかわり、日本の映画音楽史においても無くてはならない存在となっている。
その武満がもっとも尊敬し、憧れと愛慕をもって止まなかったのがロシアの映画監督、アンドレイ・タルコフスキーとその作品であるが、おそらくこの本が書かれた１９９０年から彼が亡くなるまでの間（１９９７）、彼の創作のほとんどすべてがこのタルコフスキーの映像へのオマージュとなっていたのではないだろうか。
私自身も今から１０年くらい前に、‘惑星ソラリス‘、‘アンドレイ・ルブリョフ‘、‘ノスタルジア‘、‘サクリファイス‘といった彼の作品を見ている。当時それらの作品を見て「時間的流れを映像にした」様な印象を受けた。ただ、作品を見る前に武満からのかなりの予備知識があったので、相当ステレオタイプに作品を見たかもしれない。そして確かに‘ノスタルジア‘や‘サクリファイス‘といった作品の映像美は意識したが、一番私の胸を打った作品はモノクロ作品である‘アンドレイ・ルブリョフ‘であった。きっと今もう一度見れば、違う視点でタルコフスキー作品を見れるのではないかと思う。あらためて、他の作品も含めて見てみたい。
武満徹はオペラを作るにあたり、パートナーとして小説家である大江健三郎氏を選んだ。その大きな理由は、彼が世界的に著名な作家であるというだけではなく、物語（ストーリー）をつくるという目的に同行し得る、いやむしろヘルプ、バックアップ、先導者のような存在として、大江健三郎氏以外にいないと考えていたからだろう。これまでにかれの作曲家として、又芸術家としての先導的役割を、高橋悠治、小澤征爾、大江健三郎の各氏が担ったように思えるが、なかでも大江氏は武満徹に対し、絶対的な好意を抱いていて、終始彼を支えていたことがよくわかる。大江氏は、武満徹がオペラを作ることができないこともよくわかっていた。にもかかわらず、彼が武満徹の夢想に耳を傾けたのは、西洋キリスト教の愛を通過して現在日本にも伝わることとなっている、「ネオ・プラトニズム」を信じるからにほかならない。
武満徹はその著書「オペラをつくる」のまえがきで、以下のように書いている。
「この対談の過程で、人間は、誰もがオペラの創始者であり、また実際、その実現が可能なエポックにさしかかっているのではないか、ということを感じる瞬間がしばしばあった」
私には、武満の言った‘オペラ的なるもの‘の実現化への答えが、この一文のなかに含まれているような気がしてならない。
岩波新書
「オペラをつくる」
武満徹 大江健三郎著
オペラ的なもの �掘，紡海�
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No.44 オペラ的なもの ��
岩波新書のこの「オペラをつくる」という対話本は、作曲家としての現在の自分にもっとも強く示唆を与えてくれるものかもしれない。今想えば、無意識のうちにこの本に影響を受け、未完である夢の完成を目指し、遥遥海を渡って、日々そのオペラの本質を理解するためにオペラハウスに通いつめたのかもしれない。そして、彼のいう‘オペラ的なもの‘を、ひょっとして自分が具体化させることができるのではないかと夢みたりもしている。
この本には強いメッセージとともに、次の世代の芸術家たちへ向けた大きな課題が盛り込まれている。そしてこれまでにこの武満徹という作曲家からのシグナルを受け取り、‘オペラ的なもの‘を作る試みが行われた。たとえば、坂本龍一氏の‘ライフ‘や細川俊夫氏の能オペラもそれらに含まれる。
はたして本当に武満徹が思い描いた‘オペラ的なもの‘を邦人作曲家が完成させることはできるのだろうか？それが単なる連歌的遊戯であるならば、個人的にはあまり面白くはない。きっとそうではないことを信じて、もう一度この本を丁寧に読み返してみるつもりでいる。
岩波新書
「オペラをつくる」
武満徹 大江健三郎著
オペラ的なもの �供，紡海�
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No.43 コンセントレーション
演奏家にとって作曲家にとって、日々の練習時間、作曲時間でいかに集中力を維持しできるかというのはとてもシビアな問題である。周囲の雑音を気にせず、高い集中力を維持できる人も、稀にいるみたいだか、自分は人一倍気が散る傾向にあるので、多くの演奏家や作曲家もこの集中の維持に悩んでいるのではないだろうかと考えている。「集中維持ができないこと」は音楽家として致命的な欠点だとは思わないが、集中を維持できない環境ではいい音楽作りができないというのは確かなことであるように感じる。
最近は集中力のコントロールトレーニングなども話題にはなっているが、それよりも集中できる環境作りに取り組むのが自然であるように思える。やはりクラシックの演奏家にとって、ヨーロッパに拠点を置き、音楽活動をすることが、絶対的な「適した環境」作りなのかもしれない。
では音楽に取り組む環境とはいったいどういうものだろうか？たとえば演奏家の学生であるならば、講義などを除けば、たいていは一日の時間をほとんど練習時間に当てることができる。つまりコンサートやプロジェクトにあわせて、自分や教授が進行度合いをチェックしながら課題、ノルマをこなしていけばいい。学生は自由で気楽といえども、このことはかなり規則的なサイクルスケジュールができているともいえる（だからこそ日本人の学生は盲目的に、従順に、淡々と音楽を作り上げることができる）。ただし、その傾向が強かった人ほど、いざ仕事や雑音が多い場所において、建設的なトレーニングのサイクルを作ることが難しい。つまり卒業後にさらなる音楽制作の環境を作り出せている演奏家は皆無であると言いたい。高いコンセントレーションを何日間にもわたり維持しなければならない、比較的規模の大きな曲を作曲する場合、よりそのことに敏感にならざる得ないのである。
しかしながら、演奏家たちも、自分のやりたい演奏活動だけが生活の全て,というわけにはいかないのではないか。やりたくもないエキストラ、なれない音楽指導などもやっていかなければ、音楽家として生活をしていくことはできない。その日々の雑用の合間に、なんとか理想とする音楽に取り組める環境作り、それと演奏家としての日々の訓練をしているのであろう。
意外に音楽活動をしている人たちのなかにあって、音楽に集中できないでいるひとが多い現実を、なんとか改善できるアイデアはないかとふと考えた。
「音楽家たちはせめて毎日3時間、自分の取り組むべき作品に集中できる時間的余裕を作り、できる限り集中に努め、そしてその後、それぞれの任された仕事を勤め、残りの時間を十分に人間的な幅が広げられるような、オープンで自由な時間で過ごす。それだけで十分な効果があるのではないだろうか」
まずは基本的サイクルを作り、もう一度音楽制作環境を整え、もっと集中力を高めていくことを提案したい。
それからもうひとつ、たとえ音楽制作の実践を行わなくとも、音楽家としてやっていけるのは事実でもある。レパートリーさえ作ってしまえば、あとはそれを何十回、何百となく人前で弾く、そのようにすればそこそこの音楽家にもなる。その人たちの大儀は「食べていくためには、まずは仕方がないこと。やめてしまえば仕事がなくなる。聴衆がそれを求める」である。
そろそろそんな、結果破壊的行為も、止めてもいいのではないだろうか？
自分の本当にやりたいこと、やるべきことを本気で考えてほしい。
これから音楽家として出発する人、自分の音楽活動に迷いを持つ人は、是非私のいう「制作環境作り」を試みてほしい。
それぞれが年齢を重ねるとともに、音楽家として、より成長できる、そんな環境作りをしてほしい。
きっとそれを理想としている音楽家が大半であるはずなのだから。
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No.42 自他の区別
広島でたくさんの温かい人たちと会う、まるで彼らは穏やかな瀬戸内海のサザナミの様だ。
地元びいきかもしれないが、周りの人たちの人間性の良さを自慢に思う。たくさんの大切な人たち、本当によくしてくれて感謝の仕様がない。これからなにかの形でお返しできればと思う。
宮島周辺のこのあたりの海は、まるで湖のように波打ち際が静かである。だからこそ、宮島の鳥居は水中に建てられ、厳島神社は波打ち際にあり、満潮時には水面に浮かぶ。海外から見れば、穏やかな日本人の性格がこの宮島に象徴されているようにも感じられる。日本を紹介する海外のガイドブックにはこの厳島神社の写真が使われることが非常に多いのも納得がいく。
ただ、自分にはここで暮らす人々を不安に思うこともある。いや、廿日市（はつかいち）の人々に対してだけではなく、日本人全般（もちろん自分も含めて）に言えるとことだが、その不安の理由は、日本にいると、自と他の区別が付かなくなることである。このことが良いことなのか悪いことなのか言及できないが、はっきりと自他を区別できるものからすれば変に感じるに違いない。私達は自他を区別して生きている人間に接すると、時々パニックに陥る。変に愛想良くなったり、時に強烈に拒絶反応が出たり、コミニケーション不能に陥る。いわゆる外人コンプレックスというものである。そのような日本人の性格も、分析的にみれば海面すれすれに神社を建ててしまうくらい、これまで自然と人間との区別なく生きてきた風土的な理由からして、人間関係においても、自他の区別が曖昧になってしまうのも無理はない。そしてこれを良しとするかどうかといえば、これからの時代においてますます不利になり、このままのやり方ではマズイのではないかと考えている。
ここでこれから他者と付き合っていく上での自分のことについて述べる。自分にも根本的なところでは変えようのない日本人としての性質がある。それを変える努力をするつもりはない。いかに進化、変容させるかということではないだろうか。そして意外と身近なところからその方法を発見しつつある。まだ具体的に述べれる段階ではないが、まずは実践していくつもりでいる。
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No 41 Don Quijote
若き日の望みは年老いて
ゆたかに満たされる。
「わが生涯より」ゲーテ著（斉藤栄治訳）
先日、JRの廿日市駅から国道2号線までまっすぐ続く廿日市商店街を歩いた。子供のころによくこのあたりを歩いていたので、自分には懐かしい場所である。廿日市市の町のつくりは無意味に複雑で初めて訪れる者にとってとてもわかり辛い。というのもいろんな施設があちこちへ拡散していて、町の中心というものがない。そうなった経緯は、決して行政がそれを区画整理したからではなく、ただ計画の頓挫から今のような町の設計となった。これが将来的にどういう悪い形ででてくるか心配ではある。
廿日市市に海外からのたいていの旅行者は、まっすぐ宮島を目指し、厳島神社を参拝してその日のうちに広島市内へともどってしまう。当然廿日市市内を見てまわるということはないし、ここに市の行政機関があるということも理解しないだろう。きっと将来廿日市市というものの存在意義は確実になくなるだろう。おそらくこのままでは廿日市市は広島市と合併することとなる。ただたいていの廿日市市に住む人たちにとっては、行政さえしっかりしていればどこの行政であろうとかまわないのかもしれないが。
宮島町が廿日市市と合併する折には、知名度と、廿日市という漢字の読み辛さから、他の名称（例えば世界的に知名度の高い宮島など）にという発案もあったらしいが、結局のところはこの廿日市市という市の名称で決まった。せめてだれもが読めて覚えられるように二十日市にできなかったのだろうか？
こういう保守的なものの考え方での決定が、せっかくの町の潜在能力をだめにしてしまうので、残念で仕方がない。3月末から町や人を出来るだけ観察しているが、人の姿をみれば、たいてい高齢者ばかりである。たまに若い人を見つけても、その覇気は高齢者と変わらない。いやむしろ高齢者の方が知力体力ともに数段上なのかもしれない。表面的な部分だけを見てものを言うのは語弊があるかもしれないが、まずは少しずつでも、ムーブメントを起こせるよう努力してみるつもりでいる。
そんな自身の思いから、今後の活動をするにあたって出発点として廿日市商店がを選びたかった。それはノスタルジックな思いもあるのかもしれない。だが自分にはこの場所が町の中心になれる唯一の可能性だと感じるからだ。一筋縄ではいかない。一歩づつ少しづつ可能性を広げていきたい。たとえ時代錯誤なドンキホーテだったとしても。
昔はもっとにぎやかだった商店街も、今ではたくさんのお店が閉店したままである。
古くなったお店は取り壊し、住宅地や駐車場になってしまう。
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No.40 身体表現（パフォーマンス）がもつ可能性
ドイツ・ライプツィヒから地元である広島、廿日市市に戻って2週間が経とうとしている。思えば去年に行った第2回エームジーク企画コンサートから一年が経とうとしている。ということはこのプロセスを書き始めてもう一年が過ぎる。このプロセスをなんとか一年間続けられてよかったという気持ちと、時間の経つ早さへの驚きとが交差する。
自分はこの一年間にプロセス上で何を書いただろうか？ここで書いたことによって、音楽家として、自分自身の成長に繋がっていれば少しは意味があったのだろうか。
さてこの春に予定していた第三回エームジーク企画コンサートは都合により、今年の夏に延期することとなった。開催日は8月29日（金）に決定したので、それまでにできるだけ入念にコンサートの準備をするつもりでいる。それからまだ完成していない新曲にも取り掛からなければならない。
エームジーク企画コンサートの延期が理由ではないが、5月30日（金）に小規模なミニイベントを開くことにした。スペシャルジョイント企画と称して、ひょっとこ踊りとクラシックコンサートの競演である。当日は一部にひょっとこ踊り、二部はクラシック音楽を中心に行う予定にしている。対象はおおむねお年寄りの方になりそうなので、それにあわせたプログラム構成となるだろう。
現在わたしはそのひょっとこ踊りのために作曲中である。実は以前から舞踏（踊り）、中でもコミカルな踊りに興味を持っていた。以前、ひょんなことからひょっとこ踊りを見る機会があり、その踊りに不思議と惹きつけられた。ひょっとこ踊りは見ている人を笑わせるためのものであり、面白おかしく踊るだけと思われがちだが、その魅力は、実は力強い動きと鋭い身体表現にあるのではないかと感じた。人を楽しくしたり、喜ばせたりすることが、言語を用いないパフォーミングという手段によって可能かという副次的な主題を持ちながら、ひょっとこ踊りのための音楽を作ってみたい。また曲は実際に邦楽団によって生演奏されることになるので、それも楽しみにしている。これは余談だが、ひょっとこ踊りの発祥は宮崎県の日向市と言われている。踊りのルーツを調べていくと、ひょっとこにまつわるさまざまな民話も知ることができるので、それもなかなかおもしろい。そんなひょっとこ踊りにまつわる民話なども、コンサートにあわせて発表してみたい。
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No.39 未来へ、未来から
日本を大切にするということは、決して日本にいるということでのみ可能だとは私には思えない。たくさんの人々が行き交う、いわゆるグローバルな世界となった現代にあっても、皆、自分のルーツが何であるかに強い関心を持っている。そのルーツとは、民族であったり宗教であったり、人種であったりするだろう。そして時にその分類によって衝突や不寛容を生むことがある。そのように生れる個々の差異はこれからもきっとなくなりはしない。人はどんな場所にいようとも、その自身のルーツを最大のテーマとする。どこにいても大切にすべきものは自分自身の中にある。
今回の帰路の旅はライプツィヒ出発、パリを経由して名古屋に到着した。その後、新幹線で京都に立ち寄り、次の日、広島に戻った。ライプツィヒから名古屋までの所要時間はパリでの待ち時間を含めず約1３時間である。名古屋から京都までがのぞみで約35分、京都から広島まで１時間４５分。ライプツィヒ出発から広島到着までを考えると、結構な長旅であった。それでも２、３０年前に比べると、個々の交通所要時間は恐ろしく短縮されている。さらに乗り継ぎの便もよくなった（ちなみに広島行きの、のぞみは１時間に三本も運行しているらしい）。きっと２０年後、いや１０年後には、移動時間がさらに短縮され、国境を越えての移動もより手軽なものとなるだろう。そのことに、たとえ一部のナショナリストが異論を唱えようとも、それは決して阻止されはしない。人類は接触と反発を繰り返しながらも、結局は統合していくものである。そして時間と空間は膨張し、その自然の摂理に従うことになるだろう。現在の地理的テーマはいつかきっと些細なものとなるだろうし、将来にはより切実で、より難しいテーマが出現するはずである。そんなより難しいテーマに取り組む折にも、自分にとって大切なものを忘れずにいたい。
未来へ人々は迷うことなく進み、おのおのの想像する未来から、大切なもの・・・を見い出す。
それが現在のわたしたちにとっての標柱といったところだろうか。
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No.38 マタイ・パッション
３月20日、トーマス教会にて、マタイ受難曲を聴く（合唱:トマーナ合唱団、演奏:ゲヴァントハウス管弦楽団）。演奏は想像したよりも、若干テンポは速く、リズムは跳ねるようなイントネーションを感じる。トーマス教会はバッハの音楽的性質をちゃんと受け継いでいる。
この場所でこの曲が聴けたこと、バッハの音楽をより理解できるようになったこと、なによりも作曲家、音楽家として、ヨーロッパでバッハから取り組み直せたことが嬉しい。きっとこの経験は、これから何十年と続くだろう自身の作曲活動の礎となると信じている。
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No.37 ファッションデザインのための音楽 Vol.2
ファッションショーの音楽の場合、音楽は作曲家が求めるものではなく、デザイナーが求めるものを作るということが重要だと考えている。その点では映画音楽を作ることと似ている。考え方はそれぞれ違いがあって当然だが、映画音楽は映画監督が求めるものが作られるべきであろうと自分は考える。優れた映画音楽は監督自身もイメージ通りのものになっているはずであり、裏を返せば、音楽に独自の趣味をもたない映画監督の作品からは、良い映画音楽など生まれはしない（作曲家の立場での表現になっているが許してほしい）。
もちろんデザイナーの求める音を探る上で難しさはいつもともなう。というのもデザイナーは普段聴いている音楽、即製の楽曲から大抵音楽のイメージをつくっているので、その楽曲以上のイメージに適したものを作るがとても大変だということである。しかしそれでもそれを超えなければダメだとも思っているが。
構想から約一ヶ月で依頼の音楽は完成し、現在はネットを使ってファイルデータをデザイナーに転送して、全ての作業は終わる（その間はほとんど自宅兼スタジオに篭って音楽製作の作業をしている）。昔はどこも音の創作現場は、恐ろしいほどたくさんの機材やスタッフを使ってひとつの音楽を作っていたのだが、現在はＳＯＨＯオフィス並みに作業場は簡素化され、すべてこと足りる。そして自分のこの制作スタイルは今後もずっと継続していくつもりでいる。
それから、これはもうひとつ興味深いことだが、たとえ音楽はパソコン内で全て処理されるとしても、ドイツと日本では電圧の関係で作られて出てくるものが違う。これは演奏家が日本で演奏することとヨーロッパの乾いたよく響く場所で演奏することと同じくらい違うものであると考えてもらってもいいかもしれない。
さて、このプロセスで、ファッションショーの音楽について長々と書いているのは、自分がモード（流行）の世界に関われているということをアピールしたいのではない。ここで、この文章を書いているということは、当然自身の音楽活動、特に新しい舞台芸術作品の創作にどのように活かすかということがもっとも重要なことだということを理解してほしい。ここからが本当のテーマになるが、視覚芸術と音楽をどのようにシンクロさせたいのかというところを、さらに続けて書いていくつもりでいる。
ファッションデザインのための音楽 Vol.3に続く
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No.36 ファッションデザインのための音楽 Vol.1
今シーズンのミラノコレクションと東京コレクションで正式なランウェイショーを行うこととなり、本格的なデビューを飾るファッションブランド・Mikio Sakabe のショーの音楽を担当させて頂くこととなった。曲は１７日に完成し、無事にサカベさんにもＯＫを頂くことができ、ほっとしている。あとは2月23日のミラノと3月11日の東京でも好評を得られることを願っている。
そのようにデザイナーたちからファッションショーの音楽を手伝わせていただけたのも今回で5回目となったが、毎回いろいろな意味で勉強させられ、また自身の経験になっていることを実感する。そして自身の曲が、ただのＢＧＭではなく、ビジュアルと音楽との融合表現であると感じてもらえれるように、これからもいいものを作っていけるよう努めていきたい。
さて、そのファッションデザインに音楽をつけるという作業だが、現在わたしはドイツにいるので、東京にいるデザイナーと直接会って打ち合わせをすることができない。そこでメールでのみのやり取りとなる。その往信はいつも何十通にもなる。さらに締め切りが近づくと、一時間おきの何通もの返信となり、ほとんどチャットのような状態にもなる。メールだと感想や要求が直接的になってしまい、微妙なニュアンスが感じとれなくて、勘違いをすることもある。例えば、「とてもいいけど、もう少しだけこうしてほしい」という感じで言われたとして、それを自分が読み違うと、「間違っていて全部やり直すべきか」と考え込んでしまう。それでもお互いにできるだけ自分の思っていることを書き、すこしずづ理解を深め、信頼関係を築いていければいい。確かに直接、面会したり電話で時間をかけてディスカッションをして作っていくことも大きな利点もあるが、デザイナーの説明や服の写真のみから、自分の中のインスピレーションと創造性を働かせて音楽を作るという作業にも、余分な情報や雑念が入らないということで、よりピュアで的を得たものになるということもあるだろう。それはある絵画から発想を得て作曲をするといったかなりよくある作曲表現に近いかもしれない。
もちろんデザインブランド会社はビジネスのために存在し、芸術家ではない。なので要求させる音楽はわたしがいつも普段から作っている音楽やクラシック音楽ではない（自分にはそれらの制作が慣れいて、楽ということはある）。そのため他ジャンルの音楽をリサーチ、アナリーゼすることからはじめなければならない場合もある（もちろんクラシック意外の音楽も好きだからやれるのだが）。例えば最近流行っているアイドルポップスグループからスラッシュメタル系のすこし危なめなバンドの音楽まで範囲は含まれる。それらの音楽を聴いて真剣にアナリーゼしている図は少し滑稽かもしれないけれども。
最近はサウンドデザイナーと称して（もちろん蔑称ではなく、素晴しいサウンドデザイナーはたくさんいる）、ＷＥＢデザイナーと同様、たくさんのフリー音源素材が安くで簡単に（クオリティーもなかなかなものが）入手できるので、ボタンひとつで簡単にいいもの（特にそれっぽいカッコいい物）ができてしまう。ただそれにはかなり自分は否定的で、そうやって作ったものに何も感じるものはなく、短時間でいいものが出来るということに感心はするけれども、それでも「何通りかのサンプルから選択してください」ということだけは絶対にしたくない。いつもテーマから素材を決め、それにあわせた楽曲に仕上げている。そしてファッションデザイナーは作曲に関して当然詳しくないので、勢いのあるとか、明るくとか、暗めとかもっとポップにというような表現でイメージを伝えようとする。それから10分や20分の曲は数時間で作れてしまうと思い込んでいる（誤解をまねかないように付け足すと、それは至極一般的な考えで、そのようにデザイナーが考えるのも無理はない。現にそれが出来ないわけではないし、事実これまでそのような要求にも応じてきた。そのような要求にも当然対処できるよう技術を高めておかなければならない）。音を作る側からしては、どのようなテンポにすべきか、調性感はどうするか、和音構成はどうか、リズムパターンは単純がいいか、それとも複雑なものがいいのかといった具体的なことを知りたいのだが、それはやはり自分自身で感じ取って、まずはこんなものだろうかと実際の音にして、提示し聴いてもらうしか方法はない。その際の問題は、楽曲を完璧に作るのには相当な時間がかかる。なので、まずはラフに仕上げたものを聴いてもらうのだが、途中だということを説明しても、デザイナーはいったい完成後はどうなるのかが想像できない（当然その時点で完成のイメージができているのは自分だけかもしれない）。なのでそんな途中のものに対して、なにか不満を感じてしまうのではないだろうか？ただしもしも確認なしで最後まで仕上げてしまうと、方向にズレが生じた場合、時間的なロスは計り知れない。なので途中経過を確認しあいながら、一緒に少しずつ制作を進めていくしかないのである。もちろんこれも経験を積めば相手が望む音楽をブレなく一発で作ることができるようになるのだろうが、しかしどうだろうか？そうやって楽に作られてしまったものは不思議と人を惹きつけるエネルギーのようなものが感じられない、つまらないものになってしまいがちである。今回の制作では未完成に近い荒削りなもののほうがより魅力的に感じられ、クオリティーを高めようとして丁寧に作ったものは全てボツ（不採用）にした。やはり魅力あるものとは決して完成度だけではないと改めて感じる。そして音源を完成させる上で一番神経を使うのは最後の数時間に行うマスタリング作業である（個別に作られた音をステレオ出力の２チャンネルにする作業）。これはオーケストラの指揮者が一回の演奏でどのような音楽を聴かすことができるかというのに近く、時によってうまくいくときとそうでないときがある。もちろんオーケストラの録音と同じくやり直し、微調整はできるが、それでも締め切りまで残された時間内で一発でいい音を見つけ出せなければ、そのあとなんど試してもあまりいい音が出てこない。これはなんともアナログな作業だが、最終的に求める音、いいと感じるものは自分の耳を通して、つまり耳だけが頼り、それから大切なのは一瞬の集中力なのだから、仕方がない。
ファッションデザインのための音楽 Vol.2に続く
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No.35 Das Kulturmanagement Vol.5 (マネジメントをする必要性）
結局のところ、日本では自治体というものが、きちんとした組織化など行っておらず、さらに職業の分業化などの必要もなかったようである。当然、芸術家活動を支援する資産家、実業家などもいない。いや日本の地方に出資者と経営者の分業すらない。だとすると現実的に継続的なコンサートを可能にするにはどうすればいいのか？
つまり地方都市内で完結する、出資者と企業の経営者、それから運営を管理する実行委員会、そして演奏家を含めた音楽家の全てをもう一度作り出すしかない。要するに音楽をする前に、自分たちの手でビジネスをしなければならないということだ。音楽しかできないビジネスの素人が経営などできるはずがないというのが、まだまだ一般的な考え方だろうが、現に日本（いや世界中）の芸術文化団体、さらには教育機関等も、そんな芸術家的専門職というカテゴリー内においてさえ、もうマネジメントのエキスパートなしでは存続できない。それは国家機関においても例外ではない。
突然というか、まるで騙されたかのように、音楽家は自力でマネジメントをしなければならないことになった。どっちが本来の姿かは知らないが、いい物さえ作っていれば、いい演奏さえしていれば需要があるという時代は終わった。
なぜ音楽家がコンサートをすること自体、それほどまでに無理が生じるのかは、コミニケーション、情報伝達の方法が、昔とは著しく変化したというだけなのだが、それでもコンサート活動に意義を見い出したいと考えている私たち音楽家は、個々闇雲に音楽の仕事を探すという単純な行動に走る。その仕事を得るために、現に決して待遇がいいわけでもないオーケストラの楽団員募集の一枠には、100人超の応募者が詰め掛け、また大学職を得るために、研究成果、実績等を特定人物たちに向けてのみ発表し、常にアピールし続けなければならない。ゴール？まさかコンサートや発表会が時代錯誤の社交界のいちイベント、パートナー探しのアピールの場とでも考えている音楽家がいないことを信じたいが、あの不釣合いなドレスを着込んだチラシを見るたびに不安にもなることもある。
持論の結論を述べると、コンサートホールで音楽をしなければならないのかということを、全てのクラシック音楽家は本気でもう一度自問しなければならないはずである 。
自問の必要性をわかりやすく説明したい。
例えばコンサートのチケット代を１５００円だとする。
これまでに述べてきたように２００人の聴衆を集めることで、
収益はプラスマイナスゼロである。
クラシックのプロのオーケストラのコンサートはたいてい赤字が出る（なぜかというその理由は明白であろう）。
１５００円のＣＤを販売したとする。
ＣＤを２００枚プレスする費用を差し引いて、
そこでの利益は２５万円。
１００万枚のＣＤが売れることを想像してほしい。
どれだけの売り上げになるだろうか？
そして現在そのＣＤですら売れなくなってきている。
もう人は音楽を買わなくなってきている。
共有の考えにいたると、それは当然の結果であろう。
本当にコンサートを開くことは必要なのか？
ここからの答えは各々の音楽家が出していくしかない。
ただ私自身の答えは、
それでもコンサートを開くである。
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